1+1=12 & Michel Le Belhomme + Manuel Salvat

Manuel Salvat - Michel Le Belhomme

Mañana martes 17 de junio a las 19:30 inauguramos la última exposición del ciclo "1+1=12. Encuentros de Fotografía Contemporánea". Además de una pequeña muestra de los seis proyectos que han pasado por la "Galerie du 10", podremos ver el diálogo generado por los artistas franceses Michel Le Belhomme y Manuel Salvat.  Se podrá visitar hasta el día 18 de julio.

Artistas invitados: Michel Le Belhomme + Manuel Salvat
 
Le Belhomme confunde al espectador con el juego entre realidad y ficción, interrogándonos sobre nuestra posición frente al mundo. Con sus imágenes, genera espacios que responden a un aparente orden pero que esconden el caos interior, evidenciando así la precariedad y los límites a los que se enfrenta el ser humano.
 
Salvat muestra “objetos fotográficos” cercanos a la miniatura tanto en la pared como en el suelo partiendo de un trabajo llamado I Got More Rythm in Madrid, comenzado en 2012. Elementos a medio camino entre el objeto encontrado y construido. Reflexiona sobre la organización humana, la ciudad y sus edificaciones, generando alternativas utópicas.
 
Los autores generan pequeñas construcciones humanas que, alterando las escalas, subestiman el valor de las grandes arquitecturas. Cuestionan los espacios cotidianos donde habitamos para hacernos reflexionar e imaginar alternativas. Ambos lo hacen empleando la imagen fotográfica como medio relacionado con otras prácticas artísticas para hacernos llegar construcciones mentales jugando con la escala, la realidad y la intervención.
 
PHE14: www.phe.es

(Fotos aquí). 

Encuentro entre Fannie Escoulen, Antonio M. Xoubanova y Aleix Plademunt

Foto: MOB

El 28 de mayo se inauguró GIGANTE, el proyecto de Aleix Plademunt y Antonio M. Xoubanova para 1+1=12. La apertura de la sala estuvo acompañada de una charla entre la comisaria Fannie Escoulen y los fotógrafos.
 
Escoulen comenzó el encuentro hablando de la exposición que ella misma había comisariado en Le Bal (París), llamada La Jeune création, en 2013 que recogía el trabajo de Xoubanova y Plademunt además del de Ricardo Cases y Óscar Monzón, miembros todos del colectivo AMPARO. Aprovechó para hablar de esta fuerza colaborativa tan importante que rodea a la fotografía española.
 
Plademunt explicó a continuación cómo fue el arranque del proyecto: al principio tenían varias ideas que no terminaban de concluir pero pronto decidieron partir del cuento Una vida ejemplar de Borja Bagunyá debido a la historia que transmitía, las diferentes capas de significado que contenía y la descripción fotográfica que se hacía de las cosas. Escoulen no tardó en remarcar la importancia de este texto y la interpretación libre que los autores habían hecho de él. Xoubanova, reafirmando su valor, explicó que el cuento habla de un niño que va creciendo de manera desmesurada hasta que ya no cabe en su casa resaltando así el ser distinto, el no encajar en la sociedad. Una historia cuyas interpretaciones son además múltiples.
 
Escoulen subrayó el significado político tanto del texto como de las diferentes piezas además de la relación entre ellas y su complementariedad. Xoubanova explicó en este sentido que la fotografía le interesa por el poder que tiene para transformar la realidad y en este proyecto transformaron la realidad como a ellos les gustaría que fuera, actuando como los políticos pero estos con la palabra y los fotógrafos con la imagen.
 
Plademunt señaló que lo que hacen es un paralelismo donde el gigante es la propia realidad y el edificio es la política y el niño la sociedad. Xoubanova explicó que al hacer los edificios ministeriales de una de las piezas de igual tamaño que las personas de las fotografías del mosaico se está haciendo “una especie de democracia visual”. Se fotografían todas las personas al mismo tamaño otorgándoles así la misma importancia. Además las fotografías se hacen en blanco y negro porque para ellos el color puede hacer que resalten ciertos puntos del mosaico.
 
Plademunt prosiguió hablando de la tercera instalación: la fotografía a gran escala de un castillo de arena derruido que resume las otras dos piezas y representa además las construcciones de la ciudad que pueden llegar a ser efímeras en función de los gestos que la sociedad realice.
 
Para Escoulen el punto en común de estos autores, según lo que pudo percibir en la exposición de Le Bal y en esta del Institut Français, es la narración, la historia y la poesía que se esconden tras las imágenes.  Plademunt, sin embargo, resaltó la importancia de la idea: “los trabajos normalmente están pensados como libros y lo que hacemos al trasladar las fotos a la pared es intentar que transmitan la misma idea o que incluso la potencien”. En GIGANTE las tres piezas se enlazan por conceptos. Como señala Xoubanova, “hay algunas imágenes que sirven para hacer esos enlaces existiendo así nexos muy sutiles pero que no llegan a ser narrativos”.
 
Plademunt resaltó la importancia del espectador de generar ideas y conceptos propios a partir de la contemplación de la obra así como la importancia del proyecto 1+1=12 como laboratorio experimental donde probar, equivocarse y generar una idea común con el compañero. Respondiendo a la pregunta de Escoulen sobre la posibilidad de continuar este proyecto conjunto ambos autores respondieron que sí, ya que les gustaría realizar varios micro-proyectos desde diferentes ángulos reforzando la idea de GIGANTE.
 
Escoulen quiso saber sobre las posibles confrontaciones entre los fotógrafos debido a las diferentes maneras de enfrentarse a la crítica política de cada uno. Para Xoubanova ha sido el resultado de una pataleta, hacer algo de manera sencilla y directa,  y para Plademunt la manera de expandir una queja constante en la sociedad. “La idea de tener uno de los edificios de poder (el tribunal supremo) en frente de la sala de exposiciones fue clave para empezar a trabajar”, comentaron.
 
Los fotógrafos explicaron que el póster, que se puede adquirir en la web de Ca l’isidret Edicions y que se vendió durante la inauguración, nació de la idea de hacer algo que resumiese el concepto y que perdurase a una exposición que sólo duró dos semanas.
 
Al final del encuentro se dio paso a la intervención del público y Antonio Tabernero preguntó por el sentido material de la exposición. Plademunt explicó que para él la exposición no es material sino experiencial: la idea del recorrido de las piezas está hecha para que el espectador se sienta grande frente a los edificios ministeriales o para que sienta la igualdad del individuo. Escoulen concluyó la charla haciendo hincapié en el esfuerzo y resistencia de la fotografía española actual así como en la red de editores y comisarios que la rodean, animando a que continúe y se expanda.

GIGANTE de Aleix Plademunt y Antonio M. Xoubanova

GIGANTE de Aleix Plademunt y Antonio M. Xoubanova se puede visitar hasta el viernes 13 de junio en el Institut Français de Madrid. Horario de 10:00 - 20:00 y este viernes sólo hasta las 15:00. 

Nació con cuatro quilos setecientos y fue, consecutivamente, la cosita preciosa, el primer hijo de Cardona, el sobrino de Marina, el rey de la casa, el más valiente de todos, el que ha pegado un buen estirón, el más alto de la clase, el niño más grande que he visto en mi vida, el que creemos es un caso de gigantismo elefantiásico, el que preocupa un poquito a los padres, el piernas, el avestruz, la pobre bestia, ni gigantismo ni elefantiasis, el tema para una investigación, la portada y primera plana de todos los diarios de la ciudad, el récord Guinness de altura y de anchura humanas y el gigante de la Guineueta, la sensación de este último año, Martí Cardona. 

(Fragmento de Una vida ejemplar de Borja Bagunyà).
 
Plademunt y Xoubanova toman este cuento como punto de partida para la realización de GIGANTE, un proyecto que pone en cuestión la escala de valores a través de la fotografía. 

La muestra se desarrolla a través de tres piezas que tratan la relación de fuerza y escala entre el hombre y el poder establecido. Edificios ministeriales e institucionales, cuya escala sobredimensionada refleja la supremacía del estado frente al individuo, son representados en miniatura haciendo que el espectador se convierta en un gigante frente a ellos. Un enorme mosaico de 40 fotografías conforma la segunda pieza donde la figura humana es representada conservando el mismo tamaño y altura: la democratización de la figura humana a través de la escala fotográfica. Por último, un gran formato de un castillo de arena derruido simboliza el derroche y la imprudencia de la corrupción inmobiliaria.
 
Los autores juegan con el lenguaje fotográfico para desarrollar un discurso crítico sobre el contexto socio-político actual. El espectador es invitado a entrar en un cuento donde se han cambiado los roles del hombre frente al poder con la fotografía como cómplice. 

(Fotos aquí).

ALEIX PLADEMUNT

(Girona, 1980). Licenciado en fotografía por la UPC, Barcelona, 2003. Ha obtenido diversas ayudas como: Fotopress 2008, Propuestas 2009, Agita 2009, EADC 2008, Ángel de Fotografía 2007, premio Purificación García 2010 e Injuve 2005.
 
En 2006 empieza su vinculación con la galería Olivier Waltman (París) y la galería Valle Ortí (Valencia). En 2011 junto a Roger Guaus y Juan Diego Valera crean el proyecto editorial Ca l’Isidret Edicions para publicar sus propios trabajos.
 
En septiembre del 2013 se publica Almost There, su último trabajo y su primer libro, coeditado por MACK y Ca l’Isidret Edicions. En septiembre se presenta Almost There en el MoMA PS1 en el contexto de la NYArt Book Fair y en Paris Photo en noviembre. En Diciembre 2013 el proyecto es expuesto en la sala Le Bal (París).

ANTONIO M. XOUBANOVA

(Madrid, 1977). Dejó Turismo para estudiar Fotografía en la escuela de arte nº 10 de Madrid. Al terminar en 2003 forma, junto a otros fotógrafos, en el colectivo BlankPaper.
 
Ha recibido varias becas y premios como: FotoPres’07, Henri Cartie-Bresson Award, beca del Colegio de España en París, premio en el concurso Fotografía Documental ARCO´05, nominación para el National Media Museum First Book Award o Premio18 Caminos de Hierro.
 
En 2013 publica Casa de Campo con MACK. Ha expuesto este mismo proyecto en Brachfeld Gallery, en la exposición CityScapes en el Ayuntamiento de Madrid y en Le Bal (París) en una muestra colectiva titulada Regard Sur La Nouvelle Scène Photographique Espagnole.

Póster GIGANTE en Ca l'Isidret Edicions

Ya puedes adquirir el póster del proyecto GIGANTE de Aleix Plademunt y Antonio M. Xoubanova en la página web de la editorial Ca l'Isidret: http://www.calisidretedicions.cat/07-gigante.html

89,0 cm x 67,5 cm
Edición numerada de 200

"Una vida ejemplar" de Borja Bagunyà + GIGANTE de Aleix Plademunt y Antonio M. Xoubanova

Aleix Plademunt + Antonio M. Xoubanova

Hoy a las 19:30 se inaugura GIGANTE de Aleix Plademunt y Antonio M. Xoubanova. A las 20:00 los autores charlarán con la comisaria Fannie Escoulen. Os dejamos el comienzo del cuento "Una vida ejemplar" de Borja Bagunyà que dio origen al proyecto. Esta tarde conoceremos el desenlace.
 
"Nació con cuatro quilos setecientos y fue, consecutivamente, la cosita preciosa, el primer hijo de Cardona, el sobrino de Marina, el rey de la casa, el más valiente de todos, el que ha pegado un buen estirón, el más alto de la clase, el niño más grande que he visto en mi vida, el que creemos es un caso de gigantismo elefantiásico, el que preocupa un poquito a los padres, el piernas, el avestruz, la pobre bestia, ni gigantismo ni elefantiasis, el tema para una investigación, la portada y primera plana de todos los diarios de la ciudad, el récord Guinness de altura y de anchura humanas y el gigante de la Guineueta, la sensación de este último año, Martí Cardona. 

Quien primero se hizo eco fue un pequeño diario sensacionalista que presentó a Martí a través de una serie de comparaciones desafortunadas. En una de elles, aparecía con unos dos años y medio y una envergadura capaz de abrazar un sofá de dos plazas. Los dos metros y medio que marcaba antes de hacer los cinco años y los cuarenta quilos seiscientos que acreditaba una de tantas revisiones pediátricas dividían a los entendidos entre los partidarios de la acromegalia y los de la elefantiasis. Los primeros decían de los segundos que cuando encontrasen alguna obstrucción en los vasos linfáticos, o la razón de cómo un crío de la Guineueta podía haber entrado en contacto con los parásitos de la filaria, podrían empezar a hablar de ello con seriedad y los segundos,de los primeros, que no había habido en la historia un caso documentado de crisis tan agudas como las de Martí. Ningún caso todavía, pensaban los otros, y con ganas de ser ellos los quienes firmaran este primer documento, se presentaban en casa de los Cardona a ofrecerse encantados de hacerse cargo del caso de su hijo (habitualmente, la madre les dedicaba un ratito e incluso unas galletitas de mantequilla antes de acompañarlos hacia la puerta y decirles gracias por las molestias pero supongo que lo entenderán).
 
Bastante trabajo tenían con alimentar a Martí. Para poder pagar la cantidad de comida que exigía un estómago como el del crío, la madre tuvo que pedir hacer más horas en la tienda y el padre buscó un segundo empleo; que la escuela se declarase incapaz de acogerlo por problemas de infraestructura los obligó a repartirse las horas y a buscar a alguien que estuviese con Martí en casa mientras ellos estaban fuera (de vez en cuando, Marina, encantada de hacerle de canguro, pero luego el tío Julià y, al final, quien pudiera y le apeteciera). Cuando se vieron desbordadas las XXL de todas las marcas industriales – e, incluso, las XXXL relaxed fit que le importaba la señora Mònica de una casa especializada–, la madre encargó a un sastre de confianza algunos conjuntos de pantalones, camiseta interior y camisa de algodón que duraron el tiempo que se tarda en lavarlos, y plancharlos un par de veces, total una semana larga antes de que se hiciera un desgarro en medio de la espalda o el bíceps de Martí sobrepasara la anchura de la manga. El cuerpo de Martí crecía exponencialmente o no, se inflaba, decía la madre, y, como no era suficiente el precio de amigo que les ofrecía el sastre, la madre tuvo que rescatar los conocimientos de costura que había aprendido de la abuela y sacar del Indio inmensas extensiones de tela –generalmente, una mezcla de algodón y poliéster de azul diplomático, pero de vez en cuando una de algodón y viscosa que Martí celebraba batiendo una manaza contra la otra–, telas con las que sólo sabía confeccionar batas y túnicas, en realidad, tampoco le hacía falta según que".
 
(Fragmento de "Una vida ejemplar" de Borja Bagunyà).

Encuentro entre André Frère, Roger Guaus y Juan Valbuena

Foto: Mercedes Cosano

El miércoles 14 de mayo se inauguró Contact, Complot, Combat de Juan Valbuena y Roger Guaus. Como cada presentación del ciclo 1+1=12. Encuentros de Fotografía Contemporánea se acompañó de una charla entre los autores y un ponente del medio fotográfico francés, esta vez el editor André Frère.

Frère comenzó la charla hablando de la concepción y construcción de este proyecto fruto de una iniciativa de diálogo. La proposición presenta numerosas imágenes sobre cinco mesas - que el público puede mover y recolocar- y una propuesta más cerrada sobre el muro. Cada mesa encierra una temática y contiene los textos que se intercambiaron Valbuena y Guaus durante meses y dan forma al proyecto. Los trabajos de los dos autores están confrontados y algunas veces mezclados y al llegar al final te das cuenta, comentaba el editor, que “hay dos personalidades diferentes detrás de cada trabajo”. La muestra, muy pedagógica, permite hacer comprender al público general que la fotografía no es sólo imagen.

Valbuena y Guaus explicaron a continuación cómo había surgido el proyecto y cómo se había gestado ese intercambio de e-mails y fotografías durante meses. El punto de partida giró en torno al tema de la autorreferencialidad: cómo los fotógrafos se construyen ante el mundo, qué fotógrafos tienen de referencia, quiénes son y cómo se fotografían realmente… En este intercambio surgen cuestiones que les preocupan de la fotografía. Guaus expone su crítica - y también autocrítica-  sobre la falsa intimidad de la fotografía, una conducta que considera casi estrictamente estética. Lo llama pseudo-intimidad: “ficciones que creamos a partir de actos privados surgidos de una cierta espontaneidad”. Este tema coincide con la segunda mesa donde Valbuena expone un diario de viaje y Guaus expone su “Diari intím”, donde intenta romper la máscara de fotógrafo. La tercera mesa trata el tema de la fotografía en general y Guaus, en la correspondencia, aprovechó para cuestionar la tendencia del fotógrafo a mirar y criticar las actitudes de los otros.

Valbuena habló después de la cuarta mesa que corresponde al viaje, donde es posible la mezcla entre ambos fotógrafos, y se entiende bien el concepto de mesa de edición que se ha querido otorgar al dispositivo expositivo. Explicó que, a priori, el viaje es el motor de contacto con los otros, sin embargo su concepción es diferente para los dos autores ya que para Guaus no es imprescindible. Por otro lado, la quinta mesa manifiesta las diferentes maneras de trabajar de cada autor: Valbuena necesita planificar, poner un título y saber qué es lo que va a hacer. Guaus, en cambio, genera imágenes y después las organiza formando una narración.

Después de esta aproximación a la disposición de la exposición Frère comentó a Guaus que, aunque su trabajo difiere del de Valbuena, también tiene algo de documental. Guaus explicó que su intención no es documentar a los demás y que tiene muchas dudas sobre fotografiar a terceros aunque, viendo el trabajo “Salitre” de su compañero, reconoce que puede haber trabajos honestos y creíbles. En este sentido Valbuena explicó la dificultad de hacer fotografía en tercera persona y las dudas sobre cómo tratar al otro: “por eso a veces lo mejor es pasar la cámara a quien vas a fotografiar”. El trabajo “Salitre” está realizado así y lo que conforma es una múltiple narración.

En la segunda parte de la charla el público pudo intervenir y Carlos Spottorno rebatió la postura de Guaus explicando que “el fotógrafo sí tiene una legitimidad frente a las cosas ajenas porque ofrece un punto de vista que permite no caer en la atrofia intelectual”. Guaus por su parte explicó que no le gustan los fotógrafos que se creen sociólogos o antropólogos: “no sé si realmente están interesados en ese comportamiento”. Spottorno explicó que después de ver las tres piezas de “Diari intím” de Guaus – que contienen las cuentas bancarias del autor- comprende su posicionamiento. Valbuena explicó que cuando vio este diario, un trabajo que muestra lo que duele y de verdad cuesta enseñar, entendió por completo su postura.

La charla se cerró resaltando la labor de editores de los tres ponentes. Frère explicó que el oficio de editor es muy rico y extraordinario pero también peligroso. Repasó los puntos que se deben seguir desde este oficio: “primero hay que sumergirse en el trabajo del fotógrafo y hacer muchas contraposiciones, después entrar en el interior y ponerse al servicio del autor y finalmente pensar en la venta porque la difusión es una cuestión muy importante”.

Valbuena explicó que con su editorial Phree, con la que lleva dos años, elige pocas librerías para poder trabajar con ellas una a una. El fotógrafo considera que la mejor red de distribución es PayPal junto a un servicio de mensajería. Guaus - que considera que el mercado de los libros de fotografía no existe más allá de los propios fotógrafos- explicó que la editorial Ca l’Isidret que comparte con otros dos fotógrafos (Juan Diego Valera y Aleix Plademunt) es un instrumento de difusión del trabajo de los propios editores que les permite poder hacer nuevos trabajos.

"Contact, Complot, Combat" de Juan Valbuena y Roger Guaus.

Juan Valbuena. Roger Guaus.

 “Te conozco sin conocerte desde hace años, hemos compartido territorios, ideas, libros y amigos sin apenas darnos cuenta”, así comienza la correspondencia entre dos autores tentados a dialogar con la palabra y la fotografía.

Valbuena y Guaus comparten reflexiones, intimidades y confesiones a través de textos e imágenes de su archivo retándose a sí mismos y al otro. La propuesta incide en la participación activa del espectador que asiste en directo a un proceso de edición abierto. Los fotógrafos, ambos también editores, exponen sus intercambios mezclando sus imágenes en las mesas y las paredes de la sala, desarrollando discursos cruzados y paralelos. Varios bloques nos acercan a los diferentes temas tratados que van de lo personal a lo fotográfico.

Con este proyecto los autores se sinceran compartiendo sus inquietudes, héroes, tópicos, dudas y pensamientos invitando al espectador a introducirse en una especie de diario a dos bandas donde las palabras van sugiriendo nuevas fotografías y viceversa. 

(Fotos aquí). 

Roger Guaus

(Barcelona, 1972). Formado en Ingeniería de Telecomunicaciones. Fue miembro del desaparecido colectivo europeo SMOKE. En el año 2012 creó la editorial Ca l'Isidret Edicions con los fotógrafos Aleix Plademunt y Juan Diego Valera.

Algunos trabajos son Paris et moi (2005), Reeling (2006), Arles (2005-2007), Hunter Hunter (2005 -2008), Résidence Marseille (2009), Arrelat (2005 -?), Diario de un fotógrafo (2009-2010),  Movimientos de Suelo (2011), El creyente (PES/01 Standard Illustrated Books, 2012), Lo inalcanzable (Ca l'Isidret Edicions, 2012), The Hub (2013).

Su obra se ha mostrado en diferentes galerías, festivales y ferias en Europa, Estados Unidos y América del Sur.

Juan Valbuena

(Madrid, 1973). Físico de formación, es fundador de la agencia NOPHOTO, profesor en el Master Internacional de Fotografía EFTI y director de la editorial PHREE. Ha recibido diferentes premios como: Beca Fotopres´01, Descubrimientos PHotoEspaña (2001), seleccionado en Generación de CajaMadrid (2012) o nominado para el World Press Photo Masterclass (2004).

Sus trabajos más representativos son La Ancha Frontera (1999 – 2009), Noray (PHREE, 2012), Salitre (2009-12), Un Lugar de La Mancha (iniciado en 2006) o el recién iniciado proyecto Anomalías.

Ha realizado exposiciones en diferentes salas como Matadero Madrid (2007), CaixaForum Barcelona (2010), Museu de Historia de Valencia (2005), y el Instituto Cervantes de Londres (2009), Roma (2009) Beirut (2009), México D.F. (2008), Sao Paulo (2008) o Miami (2009).

"Porno miseria" de Óscar Monzón y Fosi Vegue

El título de este proyecto hace referencia al término (porno-miseria) utilizado en Colombia en los años 70 para criticar una serie de películas en las que los directores se aprovechaban de la pobreza y la miseria humana para ganar dinero y reconocimiento internacional.  

Actualizando y enfrentando el término al contexto socioeconómico actual, los autores muestran textos reales encontrados en la red describiendo situaciones de explotación. Ante la ausencia de fotografías que suelen acompañar este tipo de anuncios, el espectador inevitablemente genera el equivalente visual y una opinión o juicio sobre lo que lee y proyecta, haciéndose responsable de la imagen que genera.

“El soporte real de esta muestra no son las paredes de la sala sino el espacio interno del visitante, en quien queremos dejar una huella en forma de imágenes de los protagonistas, contextos y situaciones derivadas de los textos”.

FOSI VEGUE

(Talavera, 1976). Licenciado en Historia del Arte. Fotógrafo miembro del colectivo

BlankPaper desde su creación en 2003. En 2006 funda BlankPaper Escuela de la que es profesor y director. En la actualidad realiza XXYX, un proyecto que aborda el profundo vacío de las relaciones humanas y el uso por el sistema del sexo y de la información como estrategias de control.

En 2005 obtiene la beca FotoPres de la Fundación La Caixa para concluir el proyecto Extremaunción y años más tarde recibe el FotoPres ’09 para realizar Grandes éxitos. Fue finalista en Descubrimientos PhotoEspaña 2010 y Premio de Fotografía Documental ARCO’07. Ha expuesto en Galería Olido de Sao Paulo, Edificio Tabacalera y CaixaForum en Madrid y en Barcelona.

ÓSCAR MONZÓN

(Málaga, 1981). Estudia fotografía en la escuela Arte 10 de Madrid. Es miembro del colectivo Blankpaper desde su fundación y profesor de la misma escuela desde 2005. En la actualidad desarrolla diferentes proyectos personales en fotografía, vídeo y arte sonoro.

En 2006 realiza Las Puertas de París con una beca del Ministerio de Cultura. También ha recibido la beca de la Fundación Temas de Arte, el premio autor joven del XIX Caminos de Hierro y resultó finalista en Descubrimientos PhotoEspaña 2011. En 2013 gana el First Book Award de París Photo/Aperture Foundation con su libro Karma. Ha expuesto su trabajo en salas como Conde Duque y Antigua Tabacalera en Madrid, Le-Bal y RVB Gallery en París, en la Galería Olido de Sao Paulo o Centro Cultural de España en México D.F.

(Fotos aquí). 

Encuentro entre Jean-Marc Lacabe, Fosi Vegue y Óscar Monzón

Foto: Mercedes Cosano.

El 24 de abril se presentó Porno Miseria, el cuarto proyecto del ciclo 1 + 1= 12.Encuentros de Fotografía Contemporánea en el Institut français de Madrid. La apertura se realizó con una charla entre los fotógrafos, Fosi Vegue y Óscar Monzón y el director de Le Château d'eau de Toulouse, Jean-Marc Lacabe.

Lacabe comenzó hablando del título de la exposición, Porno Miseria, que se refiere el nombre de un movimiento de cine colombiano de los años 70 que expresaba su rechazo a una serie de directores que se aprovechaban de la pobreza y la miseria humana en sus películas. 

Monzón y Vegue proponen eliminar la imagen y colocar en la pared textos de anuncios encontrados en Internet que ofrecen o solicitan intercambios sexuales a cambio de dinero u otros bienes donde se puede percibir una dramática llamada de ayuda o socorro.

Monzón explicó que era un tema que ambos autores habían abordado desde diferentes perspectivas. Los dos trabajan en diferentes proyectos sobre el límite de lo íntimo, el morbo y el voyeurismo. En su caso, se había dado cuenta de que “algo que, en teoría, se debe esconder en un supuesto mensaje erótico - como es una situación de miseria o pobreza - no sólo no se ocultaban si no que se mostraba como un elemento de morbo para el consumidor de pornografía”.

Vegue señaló que no querían trabajar como editores eligiendo las fotos que acompañan a estos anuncios y entendieron que utilizar sólo los textos era una postura más neutral. Las imágenes podían ser entendidas como una posición de juicio frente a esa realidad. A partir de la lectura de esas frases vas imaginando cómo son esas personas y generando una imagen de la situación social. Los fotógrafos consideran que estamos anestesiados a las imágenes por lo que el texto podría ser más chocante.

Monzón y Vegue explicaron que se consideran simples catalizadores de una realidad que está ahí, recolectores de algo que ocurre pero sin heroicidad. Monzón recordó que incluso eliminaron sus nombres del título de la exposición ya que no estaban seguros de considerarlo una propuesta artística.

En esta charla hubo una alta participación del público que contribuyó a mantener vivo el debate. Por ejemplo, el fotógrafo Antonio Tabernero retó a los autores a producir esas imágenes ya que consideraba que "no hacerlas era lo más sencillo y, precisamente como fotógrafos, debían generar esas fotografías". Gonzalo Romero defendió el proyecto argumentando que las imágenes existían en la mente del espectador evitando así lo obvio, escabroso y fácil y generando una distancia con respecto a la obra.

Asimismo, Tabernero explicó que este proyecto tenía sentido debido a que todos somos una especie de viciosos o miradores visuales. Al contrario, Monzón apuntó que, "en general, la gente no mira la realidad ya que somos más viciosos con la realidad virtual. Este proyecto en el que no hay nada que mirar te obliga a hacer el proceso contrario permitiendo el descanso visual y la reflexión".

El fotógrafo Daniel Mayrit señaló que, en su opinión, "estamos más expuestos al texto porque percibimos la contaminación de la imagen pero no la contaminación del texto ya que está demasiado interiorizada". Esta reflexión generó un debate en torno a la imagen y la palabra que se alargó hasta el final del encuentro y en el que participaron varias personas del público. Gonzalo Romero, por ejemplo, comentó lo desvalidos que estamos frente a la imagen y cómo nos engañan con ella. Asimismo, Olmo González explicó que la falta de tiempo que tenemos para reflexionar en la actualidad es la causa del aumento del uso de la imagen. Alejandro Marote, por otro lado, expuso su inclinación hacia un lenguaje visual más simbólico y reposado capaz de generar emociones, al igual que lo hace la poesía.

Lacabe concluyó el debate valorando este proyecto artístico como generador de interrogantes y lugar para la reflexión. Una propuesta abierta que busca deshacerse de la imagen predeterminada para cuestionar tanto la fotografía como el contexto social en el que vivimos actualmente.

Arrancando "Contact, Complot, Combat"

Roger Guaus y Juan Valbuena ya están ultimando los detalles de su proyecto Contact, Complot, Combat que podremos ver el próximo día 14 de mayo en el Instituto Francés. Una correspondencia a través de texto y fotografía donde ambos autores se retan y nutren del otro.

Adelanto de "Porno miseria" de Fosi Vegue y Óscar Monzón

El título de este proyecto hace referencia al término (porno-miseria) utilizado en Colombia en los años 70 para criticar una serie de películas en las que los directores se aprovechaban de la pobreza y la miseria humana para ganar dinero y reconocimiento internacional.  

Actualizando y enfrentando el término al contexto socioeconómico actual, los autores trabajan a partir de realidades de explotación extraídas de Internet para provocar en el espectador una imagen interna, una “huella”.

Más información el jueves 24 a las 19:30 en la "Galerie du 10" del Institut Français. Además, a las 20:00, habrá una charla entre los autores y Jean-Marc Lacabe, director de Le Château d'eau de Toulouse, donde se desvelarán los entresijos de este proyecto. Os dejamos unas fotos del montaje:

Encuentro entre Jean-François Chevrier, Julián Barón y Jon Cazenave

Foto: Mercedes Cosano

El miércoles 2 de abril se inauguró el proyecto “Horizon” de Jon Cazenave y Julián Barón en la “Galerie du 10” del Institut Français de Madrid. La apertura estuvo acompañada de una charla entre el comisario y crítico de arte Jean-François Chevrier y los dos fotógrafos.

Chevrier, asumiendo con rigor e intransigencia su papel de historiador del arte, cuestionó cada una de las partes del proyecto para comprenderlas mejor y tratar de fomentar la reflexión profunda en los fotógrafos. Manifestó su asombro al encontrar en una supuesta exposición de fotografía sólo dos imágenes fotográficas además de un dispositivo formado por diferentes elementos. Comenzó preguntando a los autores la relación de este dispositivo con la fotografía.

Para Cazenave el proyecto parte de sacar el máximo partido a la sala y la luz, un elemento principal en la obra de los dos fotógrafos: la ausencia de luz en su propia obra y el fogonazo del trabajo de CENSURA de Barón. La sala, sólo iluminada con luz natural, también es un viaje de la luz a la oscuridad.  Su propuesta se fundamenta en la disposición en sala de diferentes elementos con los que trabajarían a lo largo de los días en que durase su proyecto (dos semanas).

Siguiendo con el origen del proyecto, ambos explicaron que Horizon nace de la búsqueda de nuevos horizontes que ambos autores comparten debido a la ruptura que sufrieron hace unos años para dedicarse a la fotografía: Cazenave dejó el mundo de la auditoría financiera y Barón el de la ingeniería industrial. Un trabajo que busca la unión entre dos tradiciones, la vasca de Cazenave y la castellonense de Barón, a través de distintos elementos y un espacio que pretende estar vivo por medio de diferentes diálogos e intervenciones.

El soporte web que los autores han realizado, www.labhorizon.es, les sirvió para explicar los diferentes elementos que componen la muestra (bandera solar, estado de la mar, aparejo, parlamento de mares y anillo de sillas) y el proceso posterior. Los autores trabajan con imágenes como medio para conocerse a sí mismos, conocer el uno al otro y plantear una experiencia visual nueva y compartirla con el público a partir del diálogo presente en la sala, ya que estaría abierta al público, a visitas e interlocuciones..

Chevrier, que quería entender la relación entre todos los elementos y sus influencias, mostró su incomprensión hacia el Parlamento de Mares y su relación con Oteiza (dado que se presentaba como “homenaje a la caja metafísica de Oteiza”). Para los fotógrafos el escultor vasco es una influencia constante y la disposición del muro formando un triedro era una manera de hacer referencia a una estructura muy significativa de Oteiza. Barón insistió en que la utilización del espacio y su significado vendrían determinados por lo surgido en la sala los días posteriores y que no pretendían cerrar conceptos sino abrirlos.

Chevrier explicó que el arte del siglo XXI tiene que ser un trabajo de composición de diferentes elementos heterogéneos del lenguaje espacial actual. La actividad, que es el diálogo en la sala que proponen Cazenave y Barón, debe generar por si misma una heterogeneidad social. Cazenave, en este sentido declaró que las cuerdas, elementos del dispositivo, plantean el choque, la tensión y la relación entre las dos culturas que representan (una es un chicote de un barco de San Sebastián y la otra es una soga de uso ganadero de Castellón).

Continuando con la preocupación por los diferentes usos del arte, Chevrier preguntó a los artistas por qué habían descartado la posibilidad de incluir el reportaje ya que él considera que la dimensión del reportaje es pertinente en el mundo del arte debido a la cuestión de la información. Cazenave explicó que querían hacer algo nuevo ya que no les interesaba usar imágenes de su archivo en la sala, si bien en la web si habían introducido algunas referencias como fotografías de pescadores. Aunque no están habituados a trabajar de forma tan rápida querían realizar un trabajo diferente por lo que este proyecto les pareció una forma honesta de resolverlo.

Chevrier quiso alcanzar todos los problemas que se podrían extraer de este proyecto y de cualquier formalización de un discurso artístico en la sala expositiva. Sin embargo ni el proyecto ni los autores pudieron otorgarle las respuestas que él buscaba porque el espíritu del mismo era precisamente discutirlo y desarrollarlo entre ellos y con el público e invitados durante las dos semanas de programación. Una actitud enormemente generosa por parte de los autores que nos dejaron acceder a un proyecto no terminado, en proceso, del que todos nos hemos podido sentir parte.

“En vuestro trabajo hay una gran complejidad que puede dar un buen resultado a condición de que no se engañe con la complejidad del objeto de arte, y que no se engañe con la actividad” comentaba Chevrier al final de la charla. Después del trabajo intenso de Barón y Cazenave durante estas dos semanas, las derivas y las conclusiones extraídas sabemos que lo que trataban de transmitir estos autores desde el principio estaba cargado de sinceridad y honestidad.

Rubén Ramos Balsa en "Horizon"

El jueves 3 de abril Jon Cazenave y Julián Barón invitaron al artista Rubén Ramos Balsa a participar en el proyecto "Horizon". En su web, www.rubenramosbalsa.com, podéis ver el trabajo de este artista que trata de establecer un vínculo entre la ciencia y el arte. Os dejamos unas imágenes del encuentro.

Foto: Mario Zamora

Foto: Mario Zamora

Foto: Mario Zamora

Fotos: Mario Zamora

Web del proyecto "Horizon"

 

Presentamos la web del proyecto "Horizon" de Jon Cazenave y Julián Barón:

http://www.labhorizon.es/ 

La página es una plataforma que recoge información y documentación del laboratorio de imagen que estarán desarrollando los autores desde el 3 de abril hasta el 16 de abril.  

Los días 3, 4, 14, 15 y 16 de abril estarán en la 'Galerie du 10' del Institut français de Madrid dialogando con el publico e invitados y realizando diferentes actividades. Hoy, a partir de las 17:00, participa el artista Rubén Ramos Balsa.

Montaje de "Horizon"

Foto: Mario Zamora

Foto: Mario Zamora

Foto: Mario Zamora

Foto: Mario Zamora

"Horizon" de Jon Cazenave y Julián Barón.

Horizon. Jon Cazenave y Julián Barón from HORIZON on Vimeo.

El miércoles a las 19:00 inauguramos Horizon de Jon Cazenave y Julián Barón. A las 20:00 los autores conversarán con el crítico e historiador del arte Jean François Chevrier.  

Además, el jueves 3 a las 20:00 el artista Rubén Ramos Balsa participa en el proyecto con una acción-encuentro.

La muestra, que forma parte del ciclo 1+1=12. Encuentros de Fotografía Contemporánea, permanecerá abierta hasta el miércoles 16 de abril en la "Galerie du 10" del Institut français de Madrid.  

Institut français de España en Madrid
C/ Marqués de la Ensenada, 10-12
28004 Madrid
t. +34 91 700 48 00
metro: Colón, Alonso Martínez  

Hoja de sala:

Con este proyecto ambos autores trazan un nexo entre sus respectivas culturas planteando “una transición de la oscuridad del invierno en el Cantábrico a la luz del verano en el Mediterráneo, abrazándose así dos hombres de origen diverso”.

Diferentes elementos conforman el corpus del diálogo expositivo:

- Diálogo de mares: dos proyecciones que emiten en directo la imagen del mar de cada autor.

- Bandera solar: una estructura colocada en el patio exterior que, gracias a un juego de espejos, sigue el recorrido del sol iluminando el interior de la sala.

- Parlamento de mares: una estructura en el medio de la sala, en referencia a la Caja Metafísica del escultor vasco Jorge Oteiza (Homenaje a Velázquez), sobre la que los autores trabajan a partir de imágenes en diálogo y reubicación constante.

- El cabo y la soga: una cuerda en tensión que acota el espacio dirigiendo al espectador.

- Anillo de sillas: círculo de doce asientos donde se llevarán a cabo conversaciones, diálogos y parlamentos entre los autores, el público e invitados.  

Barón y Cazenave confluyen en este proyecto través del cual se interrogan y cuestionan. Un laboratorio donde los autores comparten desvelos, fantasías y recuerdos, construyendo un discurso plural a partir de imágenes realizadas desde la intimidad y el sentimiento para crear un vibrante horizonte.

(Fotos aquí).

JON CAZENAVE

(San Sebastián, 1978). Licenciado en Ciencias Económicas y Empresariales por la Universidad de Deusto en 2001. Trabajó durante 5 años en el sector financiero antes de decidir mudarse a Barcelona para estudiar fotografía documental en la escuela IDEP, estudios que completa de la mano de Pep Bonet, Christopher Anderson y Paolo Pellegrin. 

Ha participado en festivales internacionales como Noorderlicht, Voies Off Arles, Getxophoto o Encontros da Imagem y su trabajo ha sido reconocido en certámenes como FotoPres La Caixa, Descubrimientos PhotoEspaña o el Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín. Desde 2007 vive y trabaja como fotógrafo en el País Vasco realizando un proyecto de investigación a largo plazo sobre el pueblo vasco llamado Galerna.

JULIÁN BARÓN

(Castellón, 1978). Formado en Ingeniería Industrial, ha trabajado como responsable de ingeniería y calidad en una fábrica. En la actualidad se dedica a la fotografía como director de Blank Paper Escuela Online y Valencia.
 

En 2011 publica su primer fotolibro, C.E.N.S.U.R.A.,  que reflexiona sobre la política y los políticos de nuestro tiempo. Fue seleccionado como uno de los diez mejores libros del año 2011 por Photoeye, nominado Photobook Award de Kassel en Alemania y Mención de Honor Photobook Award Aperture-ParisPhoto 2012. Este trabajo ha sido expuesto en numerosos museos y galerías de todo el mundo como en la Gallery Carte Blanche de San Francisco (2012) o el Centre de Art Santa Mónica de Barcelona (2013). En junio de 2013 autopublica DOSSIER HUMINT, un dossier de espionaje industrial realizado para una compañía China de azulejos, sobre las nuevas tendencias en una Feria Internacional de Azulejos en España.